目前就讀國立臺北藝術大學美術學系碩士的王柏欽，以〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉入選第三屆中國信託當代繪畫獎。作品中以耐人尋味的方式融合網路迷因、實際場景及人物，透過繪畫呈現真實人事物及數位影像的交織、重組，使影像在藝術家筆下重獲新生。
藝術家王柏欽個人照（圖片來源/王柏欽）
Q 參加本次徵件的動機為何？
第一個是獎金，另外從大學到現在，除了學校的系展、班展，都還沒有參加過外面的比賽，所以想說可以試試看參加獎項，如果有好成績的話，可以稍微證明自己、增加個人經歷。
Q 什麼是「當代繪畫」？
我覺得「當代繪畫」沒有很明確的樣子，可以用藝術史上的任何一種風格，在當代加以選用呈現，從個人出發連結到社會。我平常喜歡這些、有著自己的偏好，但不能只停留在這裡，要去思考如何以自己熟悉的方式：繪畫，與社會產生連結。當代繪畫是有立場的，也是一種自我表達的方式。
個展☻ Point1 ⮕ Point2 Look！They were laughing ☻（圖片來源/王柏欽）
Q 創作如何取材或選題？
大多以當今的「影像」為主體，會比較關注這些「影像」，是因為平常花很多時間在瀏覽社群媒體，進而覺得可以把這些東西放進我的作品中，像是迷因影片等。我覺得影像在發展的過程中，是持續在進步的，有些新聞畫面、死/傷亡案件、重大歷史事件等，在一開始會經過馬賽克或模糊局部的特別處理，但網路其實是可以更直接地看到血腥、暴力的衝擊畫面。
由於乘載這些影像的媒體，大多數是「縱向的觀看方式」，而這些影像前後承接的影像內容，包攬範圍從國際新聞、社會案件再到卡通與迷因。上述提到的觀看方式與習慣是有趣的，在觀看的過程中，我會自動把這些影像跟自己的生活經驗連結，然後轉化後再呈現在作品上。
我偶爾也會玩遊戲，像是槍戰等等，也會針對不同的子題把這些元素融入到作品中。
藝術家創作實拍照（圖片來源/王柏欽）
Q 對AI之於創作的想法？ AI跟真人創作是可以肉眼辨別的嗎？
我覺得「影像」的衝擊力，其實來自於它的「模糊」。AI生成的影像因為過於清晰，反而會降低那種衝擊，所以相較之下，我還是覺得手拍真實記錄的影像比AI更有感覺。但AI進步得速度太快了，甚⾄還能模仿隨記影像的模糊質地，前兩個月我還覺得自己可以分辨得出AI，但現在又開始覺得可能不太行（笑）。
Q 如何構築作品中影像的世界觀、形塑創作的視覺語彙？
我的創作其實是在處理一種「影像進化的構成」。
基本上，我覺得自己作品的畫面，不是一般大眾認知中所謂「好看」的東西。它或許符合構圖原則，但不好看，更像是一次性地給你視覺上的強烈刺激，畫面看起來好像有經過編排，又好像這些編排其實並沒有所謂的意義在其中，它符合邏輯但不符合預期的視覺經驗，顏色的鮮豔程度也不是一般觀賞起來舒服的感覺。
✧世界觀
因為我不在影像的事件現場，所以當把影像融入作品時，在觀看的過程中，我其實無法馬上融入其中，因此會透過繪畫來補足當下無法接觸到的事物，例如畫面中物體移動的狀態，或是整體事件的因果關係等等。到後來，會把一些截取的畫面放大，跟繪畫做更強烈的連結，將自己在現實世界所經歷到的事件及物件，跟我作為觀者的影像做更深入的結合。因此，作品中的人物就會很像NPC角色，在影像的世界裡去彼此對話，同時也在跟觀者對話。我希望作品更像場景，而不是單一畫面，我希望它可以更「龐大」。
作品的構圖都會先經由電腦安排，不會只是單一圖片、畫面，而是一組可以彼此連結、指向某個迷因或事件活動的素材。迷因其實是大眾集體記憶跟社會經驗的累積，其中有些還包含了歷史脈絡。由一組圖片組成的迷因，包含了各種不同表現的手法與可挪用元素，但是都指向相同事件；這些圖片給了觀者很多條線索，讓人慢慢拼湊成完整的事件。我的作品也是這樣，提供了很多線索，透過一種橫向的敘事脈絡，最終引導到我想訴說的事件。
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〈新系統Sample 1：重啟於四號構圖的左下右上或右下左上〉 蠟筆、壓克力，520cm×190cm，2024（圖片來源/王柏欽）
✧尺寸、展示方式
一個系列通常至少會包含三件作品，尺幅則會依照不同的情境去組合、創作。在電腦編排的階段，就會先一併思考整體的呈現方式，連同後續的佈展方式。一般來說，作品不會單純的平面上牆，展示時我通常會做一些木作搭配展示，也會想讓作品掛在奇怪的地方，像是懸浮在牆壁跟柱子中間、斜靠，或放在更高的位置（不是正常的觀看視角），比較像是場景、遊戲的懸浮視窗。目前最大的一幅作品尺寸為500公分乘以190公分，是四連作，雖然因為尺幅太大很難存放，但我認為大型作品更能把觀者帶入影像的世界中，也能帶來更直接、震撼的感受，但也可能我只是想要挑戰更大件的作品（笑）。
〈新系統Sample 5：往外發散生長的光 Aim and Projection〉蠟筆、壓克力， 278cm × 124cm，2025（圖片來源/王柏欽）
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〈新系統Sample 5：往外發散生長的光 Aim and Projection〉蠟筆、壓克力， 278cm × 124cm，2025（圖片來源/王柏欽）
✧創作時間
創作的時間都滿集中的，其他時間就是一直累積，一直做圖、選圖跟編排，一切都蠻有步驟和規則的。現在的創作模式基本上是一件一件做，如果有比較需要反覆作業的技法，則會請朋友們來協助。
Q 成長與創作經驗？選擇繪畫為主要創作媒材的原因？
從國中開始就讀美術班，求學時期曾學習到很多構圖的基本概念，像是三角構圖等。
我就在想，不如就把這些概念放入作品中，嘗試重組影像的內容，並結合真實的經歷。但實際操作後發現，這樣的結合好像並不會直接導向一種規則化的結果，反而形成一種更為奇怪、甚至有點矛盾的狀態：作品在形式上或許符合構圖規則，視覺上也趨於完整，但透過不同的選材與呈現方式，最終展現出的卻是不那麼「正確」的結果。
大學時有嘗試創作過一些裝置、行為、雕塑，但在繪畫上好像更得心應手，繪畫可以讓我隨心去使用、做出更多快速且直覺性的的判斷，能呈現自己的美學，或是規避掉限制自己的美學，也可以讓人在當下判斷出媒材的好壞。近幾年的作品相較理性一點，主要是因為素材來自於影像，不像以前會有隨筆，就比較不是我個人情感直接的表達或生活經驗的敘述。我有個名為「素材」的資料夾，裡面會分為歷史事件、社會事件、種族議題等等，也有些是很單純不知為何存在的好笑內容。
Q 影響創作的關鍵人物或事件？
很喜歡藝術家李亦凡的作品。
至於我為何不以新媒體為主要創作媒介，是因為覺得自己還是比較擅長繪畫創作，如果可以用繪畫去表達某種需經由特定媒材或手法才能達成的質地，覺得也是一種突破，作品就可以在視覺經驗上，成為一種介在新媒體跟繪畫之間的媒介。
Q 請介紹這次入選作品〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉
我不太喜歡用舊作參加比賽或是評鑑、展覽，這件作品是為了這次獎項而新創作的，特別不一樣的是，這幅作品我編輯的部分更多，讓影像被放入同一個塊面、顏色很繽紛的場景裡，將畫面營造出視覺上平移拍攝（水平運鏡/Pan運鏡）的感覺，以此呈現出影像連接一幕一幕的效果。我不會很直觀地讓作品中的影像大小跟實際手機或電視螢幕一樣，而是想要將範圍擴大、去構築一個場景。
王柏欽〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉作品自述節錄：作品關注當代觀看方式的演變，並探討在演算法主導下，影像如何成為被消費、被拼貼的素材，也如何在繪畫中重新獲得解釋與生成的可能。
〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉油性蠟筆、壓克力顏料，110×286×3cm，2025（圖片來源/中國信託文教基金會）
這件作品最初的設定是以ㄇ字型的展示方式觀看，但後來因為展示上的限制，最後改為平面呈現，我覺得這件作品比較適合以視平線的高度進行觀看。
有關作品的創作內容，原則上跟創作自述是差不多的，我把作品放在一個「編輯過的地方」，這系列作品包含了三個部分，以投件的作品來說：
1.迷因影片：圖像本身是來自網路影片，都是關於「教你如何切牛奶（How to cut the milk）」，「切牛奶」這個行為本身就是荒謬的，試圖教導他人去做這件事變得更加荒唐，所以我把影片中切牛奶的三個階段截圖下來。
〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
2.實際場景的實拍：場景大多來自現實生活，跟我看過的網路場景基本上都會有所結合，像這次作品中間的場景就是北藝大的美術系系館。把本來透視感就很強的長廊跟廁所，重新拼接兩次、再把圖片縮放過，去實現的並非是影像中場景的空間透視，而是將「透視」的概念，挪用至影像外框，並放置在我圖像編輯過程中預設的最底層圖層。
〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
3.學習過的構圖法則：在創作的過程中，我會去思考如何透過構圖法則把各種元素拼湊起來，讓畫面呈現出符合「完美構圖」的樣子，同步也去「教」觀者一些東西，但這些東西大多是無用的知識。像這次就有特別在畫面中拉出透視，教大家消失點的概念、地平線的位置、近大遠小等（指人類視覺中常見的透視現象，應用在繪畫中表現空間深度，使畫面具有空間感）該怎麽做。
〈新系統 Sample 6：How to Cut Milk〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
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壓克力擠壓形成的微隆線條，呈現數位壓縮般的視覺質地（圖片來源/藝術家王柏欽）
這次入選作品想回到一個「單純在討論繪畫的狀態」，但不是以直接的方式，而是透過「教」去引導出其他的東西，看似有在教學但又不是真的在教。雖然在繪畫美學裡可能不太通用，但整體以探討繪畫本身為主軸。
作品中使用了不同的媒材，將壓克力倒入醬料瓶中再擠出來，顏料在畫面上形成一條條微微隆起的線條，呈現出影像經過壓縮後的數位感；蠟筆則是表現了影像僵化後不太自然的樣子。大概花了兩週多一點的時間完成，非常感謝協助高重複性作業的好朋友們☺︎。
Q 如何看待目前的繪畫生態？認為創作者現在面對的最大挑戰是什麼？
最大的挑戰應該就是「影像的真實性」吧，因為影像資訊很多，要怎麼生產出不同、獨特的東西，就變成很大的課題。而優勢就是「我還在畫」，很多看了我作品的人會問怎麼不用輸出的？因為我覺得創作不僅限於作品最終呈現的畫面，更在於「持續創作的行動」支持著媒材，而這正是繪畫難能可貴的地方。
Q 如何理解繪畫與社會或個人的關係？
我認為其實還蠻單純，就是「視覺」面的。人們平常就透過眼睛看了很多東西，而繪畫可以讓人跳脫常規經驗，看到更多不同的東西。但如果問我可以用繪畫去影響社會嗎？對我來說好像不行，但可以透過作品去陳述現在社會的現象、當代影像的樣貌，是一種研究的手段，也像是一種聲明或廣播。
Q 希望觀者如何去觀賞你的作品？
觀者可以不用很深入了解我在做什麼，但希望觀眾透過觀賞作品，獲得一些視覺上不同的體驗，萌生出「哇！跟以前看過的東西不同」這樣的想法，不一定要感受到快樂或愉悅，但在某種程度上作品可以跟自己產生連結，同時又是一種既熟悉又陌生的異化的經驗。
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〈新系統Sample 2：行徑方向左上右上左上右上右下〉蠟筆、壓克力， 300cm×140cm，2024（圖片來源/王柏欽）
Q 近期的創作？
最近的作品從國際政治事件（川普下令襲擊委內瑞拉並逮捕委國總統馬杜洛）出發，並將影像在畫面中的安排更為純粹，更聚焦於單一的活動發生。同樣是挪用社群媒體中的新聞影像、戰爭空拍與民眾的實拍現場紀錄，透過截取與重組，將原本快速流動的數位影像轉化為繪畫中的新視覺場景。畫面刻意疊合透視、光源與人物比例等標準化教學圖像，使事件被拆解與分析，呈現如教材般的結構。影像與繪畫公式的交錯，不僅揭示媒體敘事中的權力與暴力關係，也引導觀者反思自身的觀看習慣，質疑我們究竟是在理解事件本身，還是在既有框架中被訓練如何觀看。
1/3: Male Face Proportion Guidelines（左），1/3: Linear Perspective（右）
（圖片來源/王柏欽）
Q 接下來的創作方向？
接下來可能會更專注於繪畫史、藝術史的內容，透過運用之前編輯手中影像素材的方式，像是：拉長變形、拼貼、影像色彩上的調整來處理這些內容，同時研究、重新臨摹藝術史中的經典作品，再將它們和自己的創作重新結合。這個轉變其實也跟之前的作品概念互相連結，都是將社會跟影像結合，以滿足自己對未知的臆測。但我也還不是很確定。
Q 喜歡的電影、漫畫？
最近比較少看，近幾年比較有印象的是《鬥陣俱樂部》和《超人》（2025），目前喜歡而且還唯一再追的是《海賊王》。
