藝術家黃至正以〈靜物〉入選第三屆中國信託當代繪畫獎，在深厚的膠彩水墨底蘊下，搭配金屬箔材，透過貼箔、墨色、上膠、擦除不斷循環、層層交疊，勾勒出斑斕的靜物，雖為靜止畫面，但玻璃杯中的圓型冰塊，彷彿在畫面中舞動，在不同角度下呈現出迷人的動感與光線變化。對墨色及箔進行反覆嘗試及研究，追逐著光影，更進一步探究影像及繪畫間的模糊地帶。
Q參加本次徵件的動機為何？
獎金很誘人，再來是因為第二屆投件被刷掉，有點不服氣，之後就在思考是不是可以有不同的創作方式，但其實一百件繪畫作品就有一百種口味，所以也不知道有沒有機會。
我的創作就是「介於影像跟繪畫間的模糊地帶」，我很享受這樣的創作方式，也持續了一段時間，覺得自己的創作也因應了這個獎項，去思考「繪畫是什麼」，以及人的介入在作品、創作中該有多少。覺得這樣的獎項提出了一個挑戰，也拋出了提問，而這個提問又再回歸到我身上，同時也是看自己是否有什麼其他的回應、表現方式。
「雪地是一塊快要碎的玻璃」個展現場（照片來源/藝術家黃至正）
Q最近的行程規劃？
最近在阿波羅畫廊舉辦《會飲Symposium》個展（展期2025/12/20-2026/2/7），展出的作品跟這次入圍的作品相關，有許多描繪玻璃物件跟靜物的作品。這次個展主要是聚焦在靜物作品與室內外的光影呈現，嘗試使用不同的箔來創作。今年（2025年）有去京都拜訪一間400年的老店，他們將樹脂染色在箔上，把色料混合調粉的樹脂，一張張染在箔上，乾了後再提供工藝家、藝術家使用，這樣的箔使用方式跟銀、金箔比較不一樣，加了一層樹脂染色，相對沒有那麼柔軟，不同顏色上的箔可以對應在不同創作主題上面，可以發揮的部分蠻多的。
〈卻話〉Reminisce，84×59cm，墨、顏料墨水、水性顏料、銀箔、韓國壯紙、畫布。《會飲Symposium》展出作品（照片來源/藝術家黃至正）
Q認為什麼是「當代繪畫」？
沒有辦法很準確地定義，對我而言「當代繪畫」的定義是「流動」的，之前也有拿過不同作品參與徵件，我覺得這個點對評審而言也是滿關鍵的，不同創作者各自有不同的定義，而定義也會一直改變，如果換成另一個評審也許我就不會入圍了，這是很「主觀」的，跟每個人如何去觀看有關，所以我覺得保持變化、流動是很好的。
可以想像某些比較傳統表現方式的獎項，可能就會相對侷限，但當代繪畫給予了創作者很大的空間去創造，所以不同類型的藝術家可以給出各自不同的答案，而這次入選的作品就是我的一種自我表達、說話的方式。
Q平常創作如何取材與選題？
蠻常都是從電影，我早上習慣先看一部老片，跟另一半一起去尋找有趣的視角；同時也會把生活、旅行當中的隨拍當作素材。這一年來想要去探究箔，箔會反射出不同光線，這種意象呼應了很多前輩藝術家去追尋不同的光的創作軌跡，而箔本來就是一種會反射的材料，所以我也在思考，作品也許可以更接近生活。
像是《失嬰記》、希區考克的作品。最近有看《國寶》，《國寶》這部作品融入了很多日本美學，這個部分也是我很喜歡的，作品中探究了怎麼去談「暗處的光」；最近也看了大島渚《感官世界》，我會去複習大島渚的作品，其中對於暗處的表現有很多層次，像是空間的擺設、呼應，還有很多跟生命有關的討論，這些探討本質的表演、藝術等都很動人。我有一個貼箔時聽的音樂清單，很輕柔，因為必須去很專心地一層層貼，看完一些印象深刻的電影後，就會聽電影原聲帶。
Q創作模式為何？如何形塑自己的視覺語彙？
我有自己的創作模式，最初，會先從小件的作品開始，這是我創作的起點。另外，畢竟箔有很多顏色，會先去思考媒材適不適合金屬、玻璃等材質的表現，如果小件作品產出後感覺還不夠，覺得可以再猖狂一點的話，就會再擴大一點尺幅，像這次的入選作品〈靜物〉就是拼在一起的兩件作。
圖像的選擇、收集則要看創作的內容，基本上會大量用AI去產出素材，除了自己拍攝的照片，也有許多文字隨筆，比較多是對旅行、博物館中看過的圖像或感觸。我自己覺得圖像還是跟自己生命、記憶有關，比較容易產生共鳴、共情，所以我大多的圖像都源自於自己的生活經驗，或是從以前的作品繼續去推進，因應不同主題做表現。
〈太陽〉59×84cm，墨、顏料墨水、水性顏料、銀箔、韓國壯紙、畫布（圖片來源/藝術家黃至正）
Q請分享成長與創作經歷，是否有影響創作歷程的關鍵人事物？
我是普通班上來的學生，後來去考東海美術系研究所，對繪畫產生興趣的關鍵，跟以前在大學唸書時接觸的教材有關係。在唸書的時候遇到周珠旺老師，他以前是設計背景，當時則在屏東教育大學教影像設計，在屏東遇到這樣感覺很厲害的老師，皮會繃得特別緊；課堂中，他教我們如何應用掃描機、印表機等數位的複印工具去創作。這樣的經驗深刻地影響了我，在掃描的過程中去改變圖像，以此為起點，開始觸動我去思考圖像的變形。
後來在東海接觸水墨，我把膠彩、箔帶入創作中，再把影像複印在箔上後，發現影像在箔上面是很脆弱的，在刷染的過程中影像會慢慢變得模糊，而膠和墨則會順應這個過程產生其他的樣態。因此，作品中強烈的影像性，跟之前的學習經驗有很大的關係。
有關學習傳統水墨，創作卻使用新的概念、媒材與技法這點，有時候我也覺得自己的作品並沒有那麼傳統，但這樣的模糊地帶也讓我去思考，在這種特性中，去找尋自己創作中無可替代的元素。既然已經在研究箔之於影像、之於繪畫的媒材與議題，就覺得可以再繼續研究跟著墨，繼續往前推進。
Q請介紹本次入選作品〈靜物〉
²創作動機
這幅作品想要除了挑戰靜物之外，也希望它有「動感」，而不純粹只是描繪物件本身而已；其實是在双方藝廊的個展後，想突破的一件事。畫面中的杯子是可以動起來的，把作品想像成一個Party，杯中的冰塊是圓的、沿著杯緣跑動，而且正在融化，呈現一種移動的狀態，整體畫面就像冰塊在杯子裡跳圓舞曲。不純粹只是靜物畫，而是讓杯子、冰塊宛若人一樣，在這個場合中社交，因此畫面是流動的。
創作的過程大概耗時一個月，個展完後覺得還有體力，就想說來試試挑戰看看。個展中其實沒有那麼大尺幅的作品，所以覺得也許大尺幅的作品如果這次能獲獎、入選，之後就可以在關渡美術館這種大型空間展出。
〈靜物〉136×291×3.5cm，墨、顏料墨水、水性顏料、銀箔、韓國壯紙、畫布，2025（圖片來源/藝術家黃至正）
²創作地點
這次的作品是在家裡的地下室做的，所以在家時會盡可能讓空間明亮一點。家中有天井，因此還是有自然光，也會拿去自然光底下看看作品的樣子，創作過程中會這樣一直來回確認。
²作品尺幅與素材的選擇
基於作品玻璃杯、高腳杯的表現方式，有先從小尺幅作品的測試開始；跟夥伴使用Midjourney AI去做草圖，根據草圖的表現，再去思考尺寸、表現張力。考量這次作品杯中的冰塊、畫面的晃動感，覺得大尺幅相較適合呈現。
大概從2021-22年開始使用Midjourney AI來做草圖，剛開始其實它不是那麼完善，在生成的時候會有bug，因此會被嘲笑，像是人會多一根手指頭等等，但我對初期的這種不完美、沒辦法讀清人類語彙的這點反而很感興趣。
創作的方式之一，就是從這樣的路徑去產生圖像，這也是創作靈感採集的一個來源，我覺得這個過程能刺激我去思考，圖像在繪畫上的表現可以怎麼推進，這就是我使用它的契機。
²創作過程與使用媒材
我過去主修傳統水墨，但其實大學是很開放地讓我們去嘗試各種可能。以前創作是用甲苯讓畫面轉印到作品上，但後來就遇到限制，所以進一步思考如何在箔上轉印圖像，這也是我研究所去嘗試的部分，所以後來使用了噴墨的方式，再加上一些技巧。中間也挫敗過一段時間，到一定尺幅的時候，噴墨其實是很昂貴的，因為不太能把異材質的東西放入噴墨機裡，後來經過很多嘗試才找到適合的方式，包含墨水的濃度、乾燥的速度、多久才能做出這樣的表現。
在作品中做出擦除、可逆的樣子是很有趣的，如果不夠滿意，墨色是可以被擦除的，中間可以不斷挑戰各種可能性，也有很多層次可以去嘗試。而水性的材料則需要一層保護膠、一層水，需要加固它的顏色，才能再一層層往上疊加，有點像壓克力顏料層層交疊的樣子。
疊層的部分，我會將墨水畫在箔上，在畫的過程中第一層刷膠，再刷水、上墨，為了模糊過度影像化的感覺，會再刷上水性壓克力顏料、水性色鉛，這樣才比較適合去做墨水的疊加，確定好這層沒問題後，會再上一層膠來穩定下面的圖層，通常需要十層左右。
箔在樹脂染色後其實就已經有一層保護膜，不能太用力去摳它，要不然會掉色，但有趣的是如果去摩擦，就會有其他的表現方式，會表現出跟表層不同的色澤，不過這次〈靜物〉中並沒有這樣的嘗試，基本上就是一層層貼箔上去。這次使用的是製作「蝶古巴特」（Decoupage）常用的保護膠，蝶古巴特是一種將圖像拼貼於物件表面，再以專用膠層層封存的裝飾技法。在上膠的時候可以去調整濃稠度，大概會疊加10-20層，因為需要疊很多層，所以每一層都需要很薄，在確認完沒問題後，再不斷去疊加下一層上去。
創作時我會將畫布放在地上畫，再把作品立起來看光線在作品上的感覺，之後再去調整、去畫，這次入選作品中使用的兩個媒材(墨、箔)面積很大，作品中有些杯子跟冰塊其實不是原先影像中就有的，而是後續才畫上去的，所以整體繪畫的比例是很高的。
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藝術家貼箔照（圖片來源/藝術家黃至正）
²作品論述
至正的夥伴峻豪補充，那一陣子他們正在讀身體現象學，因為至正的作品在掃描、攝影的時候，常常被說很難紀錄，所以他們就開始討論：如果一件作品可以被妥善紀錄，那麼那些無法被攝影或掃描留存下來、在不同的觀看角度下產生的流動感，是否才更接近作品的本質？身體其實就像浮動的島嶼，至正在創作的時候，需要不斷轉換角度，不斷移動與妥協。
Q如何看待目前的繪畫生態？認為創作者現在面對的最大挑戰是什麼？
現在真的太方便了，有AI之外、還能在網路上很快地看到不同的市場、繪畫類別；另外，像是藝術博覽會等大型展會，都可以看到很多藝術表現類型，可以很快感受到趨勢及流行的風格，有時候覺得藝術的趨勢就像「時尚」一樣，突然就蔚為風潮。我自己最近比較關注的，是很多繪製電影畫面、復古表現的藝術家跟作品，在看到這些趨勢的同時，也會去思考，對我而言自己對這些材料、題材是否有所追求，還是有沒有觸及到的部分。
我自己覺得繪畫很容易順應西方的潮流，或是說，有一點這樣的趨勢，進一步思考也會想到，如果有一天我也想去這樣的博覽會、平台，如果想要繼續往前的話，需要用什麼樣的作品去競爭。我跟夥伴也常討論，作品要擺在這樣的市場，有沒有特別或有意義之處。
近期我的確一直在思考，在創作中不斷地使用可以反射光線的媒材。如果這些「光」想往更精神性的方向探索，那麼「光」在日常中如何重新被觀看、詮釋，這是我最近努力的方向，雖然這也是很古老的題材，並不算新穎，但還是蠻值得探討。
Q在創作經驗中，如何理解繪畫與社會或個人的關係？
我覺得藝術家大多都會想展示自己的作品，對我而言創作也是這樣，當發現一個新的觀看經驗、感覺，用了不同的表現方式，會希望能夠跟大眾、不同的人分享。常覺得自己也是有點異類，因此參加這樣的比賽，讓我可以試著去探討繪畫是什麼。能使用不同的媒材表現技法，然後有個平台可以去說話、表現，就可以產生更多不同的繪畫跟觀看方式。
