藝術家林盈秀以〈幻化・林園〉入選第三屆當代繪畫獎，以「一支毛筆」縱橫於虛實之間，持續探索大自然的有機性及繪畫的中間性，挑戰創作的多元可能。藝術家將生命經驗內化後，轉換為獨特的繪畫語境，成為每一筆墨色的靈魂，透過作品展現創作的純粹本質。
藝術家林盈秀個人照（圖片來源/林盈秀）
Q 什麼是「當代繪畫」？
正在發生的、當下的藝術創作，非常多元、跨領域且無所不包。
跨領域對我來說很有趣，可以透過藝術去思考聲音、物件跟各種藝術發生的可能性，當代繪畫可以被包含在不同的介面去思索，並不斷去挖掘尚未被探索的可能性。
就讀碩士時，我的創作在探討的主題為：自身與自身、自身與他者、自身與社會，因此這些問題很早就在我的生命經驗中不斷被咀嚼；博士時期，則在探索宇宙的未知與可能性。對我而言，當代繪畫一直存在於我的藝術生涯中，而在不同的階段也有著不同的視角。
我比較關注形象與本質層面的探索，但也對科技運用、媒材混搭等多元創作可能性感到興趣。
藝術家工作室一隅（圖片來源/中國信託文教基金會）
藝術家於蕭壠國際藝術村駐村之創作，以繪畫概念為基礎，運用金屬透明塗漆，使觀者於行走與光線變化中感受細緻且多層次的色彩轉換，回應時代、科技與材質的關係。
〈隱顯・微光〉作品局部，2020，多色紙膠、蝴蝶牌Butterfly色號 P70-75黃-紅-紫-藍-綠五種閃亮珍珠色系的PU冷烤漆、直徑 0.7 cm銀色圓貼，小號油漆刷、空間裝置，550×360cm
Q影響創作的關鍵人事物？
大學之前我曾念一年美工科，之後轉入高中進入陳哲畫室準備考大學美術系；大學是繪畫組，碩士班是水墨組。英國遊學回來後，進入博士班以創作、理論的研究為主軸。
就讀大葉大學時，在王紫芸老師繪畫組中學習，大學時創作媒材主要使用原子筆，我喜歡看著實物，在直面對象物的情境下進行創作，而不是看著照片畫。而後，個人原子筆創作隱現出虛實、山水意象，因此發展出山水系列。
大學時期的創作，受到留法背景的王紫芸老師影響，她很強調「觀察」，為了開拓學生們的視野，給我們看了很多藝術家的作品。我的創作不是先產生概念的，是因為喜歡自然，所以去觀察肉身，而肉身也是美術基礎訓練中很重要的一環。研究所跟博士班的老師們也影響我很多，促成許多重要的關鍵啟發。
創作從「實體肉身的研究」轉到更多「抽象性的思索」過程，蘊含了很多從無到有多維連結的關係，我的作品比較像是一種「生命經驗的共鳴」，在創作中發現更多「自己」。也因為有這樣的創作經驗，所以才能夠理解吉爾·德勒茲（Gilles Deleuze）「抽象機器」（machines désirantes）理論，我的創作跟「抽象機器」像是不同抽象思路、途徑，德勒茲透過認識與理解藝術的過程創造新的哲思，開拓更多抽象思維的發展，我則是生成抽象影像後產生思想，之後將其與理論相互參照，發現相關與不同，書寫出個人的創作理論。
Q 創作經歷與關注面向？
✧ 大學時期-原子筆的肉身創作
大學時期的作品主要關注人的腳，也有對手、身體的描繪。因為我喜歡畫看得見、能直接面對的對象，對我而言，那樣的創作方式更貼近真實。後來，這些身體經驗逐漸發展成山水意象，也成為日後藝術創作的重要養分。以人體為主軸的創作階段，特別著重於「身體細節」的觀察，例如皺摺、姿態，會觀察親朋好友的手腳來描繪。就讀造形藝術系時人體描繪是重要的基礎訓練，而我會以原子筆反覆描繪與延伸，逐漸形成自己的創作主軸。原子筆創作最初其實只是想作為草圖使用，我喜歡那種帶有感覺性與直覺性的線條；但當時老師回饋，那些作品其實已經足夠完整，並不只是草圖。也因此開始發展出帶有「直覺性」、直接描繪特質的作品。
〈腳〉2003，彩色鋼珠筆，194×164cm（圖片來源/林盈秀）
✧ 碩士時期-毛筆的維度探索
到了碩士班，可能因為我原本就具備水墨基礎的關係，洪顯超老師在我的作品中發現了水墨特質，因此建議我以「毛筆」嘗試創作。所以後來創作中彰顯出留白、線條跟空間等元素的探討。碩士班時期創作著墨的重點，是身體的「形象」到「感知」的創作發展，其中又以「感知」為主體。另外，作品中有很多毛筆形成的大小墨跡，屬於心象創作，沒有結構，從點線面發展而出的創作形式。
肉身是由不同的視點組構而成，該系列的創作經驗，之後被我沿用至維度系列創作中，由內而外的擴延，讓我在創作中更加自由地去探索自然與形象。肉身有微觀的凹折處，但我作品中的畫面並不等同於實際上眼見的形象，我的創作就是去探討嶄新的姿態、形象跟風景。
碩士班研究了法國哲學家莫里斯·梅洛-龐蒂（Maurice Merleau-Ponty）的「身體感知」，以該理論為基礎，並反思「去身體」，探討在去肉身之後，能夠發展出怎樣的形象。舉例來說，一個曲線連結到鳥的動態形象，連結到鳥在飛行時的轉向，連結到大自然的結構，筆觸不同的轉彎，能夠創造出不同的似動物、但不是，即「似與不是」的創作形體。因此這些微觀的形象發展，都能讓人發現很幽微的維度。
〈間性創造〉作品局部，2020，墨、宣紙，90×180cm（圖片來源/林盈秀）
〈萬物居所〉作品局部，2019，墨、宣紙，90×180cm（圖片來源/林盈秀）
✧ 大自然的感知
我本身很喜歡大自然「隱微」的特性，同一株植物的每片葉子都有微妙的差異，這也是來自我喜歡直接觀察身體的原因，因為可以從表面形象的觀察，進入內心的思索。
大自然生命力無窮無盡，我喜歡夾縫中的植物，充滿生命力的生成，且連結到大自然、萬物的生成，觀察彼此之間形象的差異。結構可以是很概略化、概念性的，而每個人長相、形體如此的不同，進而會產生大自然中對差異性的探討，這個差異性，正是我在創作中探討的核心。因此，作品中才會有很多的組構，它們沒有形象的依據、也不是研究後產生的，因為以研究為基礎而生的創作，就會變成在服務你所知的面貌，而我則是透過由內而外的探索，開拓從自然本質出發，創作更多的形象、繪畫創作、虛實空間等多重之間的中間性創作的可能性。
〈幻化・林園〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
✧ 創作的可能性
在創作的過程中，我覺得自己會進入「非思考」的狀態，由筆與身體行動先行，帶領出更多筆觸與筆意之間、自然與形象之間，探索更多嶄新形體，在左右腦之間游移，在具象、抽象之間擺盪，有很多東西會源源不絕而出，希望創作是一直在探討更多本質、精神，更多藝術發生的可能性。
我不會創作草圖，以一支最單純的毛筆、墨進行創作，從一個點開始，在橫縱、經緯之間，以360度產出各種可能性。因為沒有草稿，所以我很珍惜每一幅作品，因為每張圖都不一樣，生成差異化的，就像自然中結構的同與隱微中的多種差異，何以創造與彰顯。有時候可能比較沒靈感，會先將作品放置沉澱，之後再拿出來。
Ｑ 創作的轉變
博士班時，老師提到我的肉身主題創作已經很具個人性、繪畫性，要不要換個題材嘗試看看。
以美術史的概念來說，通常不是抽象就是具象的二元分類法，但我喜歡生命力、去探索更多藝術的可能性，就像是夾縫中的小草充滿生命力一樣，在其「中間性」創作發展尋找各種可能。
媒材從原字筆轉變至毛筆後，開始思考、嘗試如何用毛筆去創造「間性」。我的創作在抽象跟具象之間來回擺動，而真正的自由是在「間性」中探討、尋找。對我而言，創造的本質是從「間性」發生的，也因此透過這個間性思考，生成更多中間性的形象、形體、景致等更多創造可能，並思索結構跟結構等多重之間的關係。一般而言，繪畫創作都是在先有草圖、勾勒形象後，再去塗色，但因為我創作沒有草圖的關係，進而慢慢去思考形象與形體之間，結構與空間之間的關係，而這樣的反思，也深受先前對肉身的觀察所影響，因此在創作的過程中，我也更進一步去探索更多可能。
Q 如何形塑自己的視覺語彙？
✧ 生命經驗的轉化
我的創作，在線性與筆觸、素描與繪畫、形體的虛實之間，不斷流動，並持續探索大自然中的有機性；透過不斷轉換，產生新的形象跟語境，在不同的組構中，也會形成新的創作。創作中的空間探索，跟自己的生命經驗密切連結，但我常常是在作品完成後，才「後設」地發現生命經驗已經成為了自己的創作語彙。作品中對身體、空間的流動和自然之間的探索，我覺得是非常有趣的，因為這是生命經驗經過轉化的顯化，而非強行介入的影響。
而一支毛筆自然地形成縱橫的空間感，則是回應我一直以來對宇宙的創作，人本身就是從宇宙創生，創作就是展現本質。
藝術家運用原子筆進行多視角混搭的肉身縫合實踐。〈肉山石〉2014，彩色鋼珠筆，230×133cm（圖片來源/林盈秀）
✧ 尺寸
大學就畫過1000cm的作品，喜歡畫大尺幅作品的原因，是因為在創作的過程中，身體會自然流動、行走，可以畫細節也可以大面積揮灑，更容易進入「心流」的狀態。「隱性維度」系列每件作品也會搭配一支不同的筆，從頭畫到尾。
✧ 創作過程
想創作的時候就「隨機地」開始，對我而言「繪畫沒有畫壞這件事」，因為每一筆跡，皆可能是新的契機，創作是去創造一個新的樣貌或形象的過程，儘管只是道筆觸，但每一筆之間都是環環相扣。大部分是在牆壁上創作，可能偶爾也會放在桌子上，或是小尺幅的也是放在桌子上實踐。
我覺得創作時間越長，自己會越進入狀態，在這期間，創作的能量會逐漸積累，但是創作是很耗能的，所以有時候也需要暫時抽離。以我的經驗來說，大約持續畫十幾天，會休息十幾天，把狀態重新歸零。休息的時候，我會做家事、煮飯或各種事，跳脫創作的慣性。
我在思考的時候，是沒辦法創作的。像是以前還在專心寫論文時，就完全無法創作，因為我的創作模式並非是先規劃，而是重新思索自己創作語彙的過程。對我而言，書寫與創作是兩個不同思維的，先有創作才能疏理個人的創作理論。過程中，先有圖像，才會慢慢形成概念，最終完成。在創作的過程中，逐漸發展出元素與想法，最後才會進行創作理念、思維的論述撰寫，作品的命名也是在完成後再去凝結而成。
關於肉身的油彩實踐。〈肉身・虛實〉2025，油彩，45×52cm，（圖片來源/林盈秀）
〈肉身〉作品局部，2025，油彩，60×45cm（圖片來源/林盈秀）
Q 請介紹入選作品〈幻化・林園〉
是對植物、動物、形象與空間的想像與探索，體現類物種的昇華，以及連結自己的生命經驗所形成的結果。
〈幻化・林園〉2025，墨、宣紙，191×300×6cm（圖片來源/中國信託文教基金會）
這件作品是有更多大筆觸的轉捩點，也是「隱性維度」系列的延伸，呈現對空間的探索，這系列作品試圖將繪畫跟素描之間點線面的界線模糊化。博士班畢業後我買了一批新的筆，這次因為使用較長鋒的羊毫，所以想要拉長線條等更為自由一些、盡情揮毫。
隨著繪畫過程推進，筆中墨的水分逐漸流失，最後留下乾筆與留白，在筆觸之間生成一種特別的「模糊不清、若隱若現的空間」。時間也在反覆運筆的過程中慢慢沉積，於黑、白、灰之間形成層次與空間感，而以上所述，都是我以一支毛筆持續探索的狀態。
〈幻化・林園〉使用之大楷羊毫（圖片來源/中國信託文教基金會）
沒有先繪製草稿，而是用「一支大楷毛筆」完成創作，從小筆觸的線條開始，不斷找尋生成新的形象的可能性。我的作品創作起始點都不一定，〈幻化・林園〉則是從我使用的毛筆所能呈現最細小的點開始（作品的右上方），從筆的最前端開始描繪，在創作的過程中，就會自然產生空間性。創作在抽象、具象之間，不是絕對的二分法，而我也一直在兩者之間來回思索，只是最終作品呈現的面向，可能是比較偏向抽象或具象的光譜一點。
〈幻化・林園〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
在創作中，發現到繪製的圖像，其實就是源自自己最近所發生的事件或想像出的影像。我並不會事先規劃要畫什麼，而是畫出來後，發現作品中的形象與生命經驗相互連結，在緩慢創作的過程中，跟隨當下的靈感。我也不會特別去研究植物的針葉，但在創作的當下會去揣摩生命經驗中對植物的印象，所以〈幻化・林園〉即是個人自然的感知經驗在內化後，進而延伸出來的創作。作品中的一些動物形象，都是逐漸形成的，在我的眼中，那些筆觸構成了動物形象，但不同的人觀賞可能會有不同感受；例如其中潛藏的鳥類，也不是刻意安排的，而是畫到一個階段後，覺得適合加入這個意象，在下筆後再思考要怎麼去繪製。
住家一樓的這面牆，見證了我不同階段的創作，包含中國信託新銳美術獎、到這次的入選作品，再到現在的創作，都是在這面牆前完成的。整體創作花費時間應該有一個月，執行、休息再回去執行，不是刻意去尋找靈感，需要等到有感覺時再開始，不同的轉彎會產生不同的形象。
藝術家工作室牆面（圖片來源/中國信託文教基金會）
Ｑ 希望作品如何被觀看？
觀者覺得作品中的圖像能連結到大自然的什麼形象？什麼樣的景致、空間？最後再回到美學的關注點。這也是我追求純粹的本質，也是我創作的來源。
Q 認為現在創作者面對的最大挑戰為何？
只有不斷地創作就會有很多可能，人要去挑戰自己無盡的可能，發現、並且不斷地去創造自己獨特的藝術語彙，理解自己思路跟圖像的關係。
Q 如何理解繪畫與社會或個人的關係？
對我來說是一種「抽離」，我會聽音樂、看電影、戲劇或書籍等，現在回看，也會再感受到藝術的純粹。
我喜歡從無到有的探索，像是煮飯也是，有很多角度可以讓我重新思考。每個人都有多重角色，創作時就會回到自己、連結社會，不斷地創作就會有不同的發展。我的創作也在幾何與有機之間不斷地探索，在不同的間性之間，呈現不同的思維。
Q 參加本次徵件的動機？
曾參加「中國信託新銳美術獎」、受邀到蕭壠國際藝術村駐村，也曾去臺南的國小進行藝術課程教學，其中也有偏鄉學校的線上的課藝術課程。陳明惠老師邀請我參與了很多機會，2025年也在臺南市美術館「極度維面：臺南當代藝術之思辨」中展出，接下來2027年作品會在國外展出。
因為臺灣很少會有聚焦繪畫的獎項，身為繪畫創作者的我就想來嘗試。
