藝術家盧冠宏以作品〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉，入選第三屆中國信託當代繪畫獎。盧冠宏關注圖像在不同情境中被誤讀與重組的狀態，取材自新聞與媒介影像，透過圖像的錯置與調度，建構曖昧而模糊的敘事空間，映照當代經驗中的失序與不協調。
藝術家盧冠宏個人照（圖片來源/盧冠宏）
Q 什麼是「當代繪畫」？
真是一個大哉問，如果用最粗糙、但也最好理解的話來描述，我所認為的當代繪畫，應該是一種能與過去的事件對話，同時能映照出創作者眼中，屬於自己世代的某種時代精神和世界觀的創作方式，這一切可能會透過一個方形的平面呈現，也可能會透過意想不到的形式顯影。
藝術家工作室一隅（圖片來源/盧冠宏）
藝術家工作室一隅（圖片來源/盧冠宏）
Q 對繪畫產生興趣的轉捩點，曾經遇過的挫折或瓶頸？
我出生在一個貧窮的家庭，但有一個超快樂的童年。至於我是如何對繪畫產生興趣的，我也說不太清楚，可能是以前很喜歡在國文課本上幫古人畫下半身吧？那個時候還沒有智慧型手機，也沒那麼多亂七八糟的資訊會讓我分心。我在創作中遇到最大的瓶頸，其實相當現實——當遇到快要沒錢吃飯的窘境時，焦慮感會隨之而來，你會開始懷疑自己是否真的走得下去，最後，那種無話可說的狀態，就是我創作中的最大瓶頸。
藝術家工作室桌面（圖片來源/盧冠宏）
Q 創作關注的面向與繪畫語彙？
平常關注圖像在不同的排列組合或情境中傳遞意義時所產生的誤會，和那種感覺在哪裡看過，但又顯得很荒誕不經的敘事。我並沒有特別想探討什麼內容，只是想透過這樣的圖像調度，彰顯出一種多重語境下曖昧、模糊的敘事情境，而這種內容的留白，它可能讓不同的觀眾詮釋出截然不同的議題，或許是關於政治的，也或許讓某個人想起生命中的細微片段與日常軌跡。
盧冠宏作品於臺北市立美術館聯展「物質世界」展出現場
〈對焦〉2022，油彩、畫布，40×40cm（圖片來源/中國信託文教基金會）
盧冠宏作品於臺北市立美術館聯展「物質世界」展出現場
〈尋找另一半〉2025，油彩、畫布，60×45cm（圖片來源/中國信託文教基金會）
〈從洞穴到開會〉作品局部 2025，油彩、畫布，116.5×91cm（圖片來源/中國信託文教基金會）
Q 創作如何取材、選題？
我近期會畫一些無目的性的抽象素描，這是受到已故藝術家葉竹盛老師的啟蒙。乍聽之下可能感覺有些不合理，因為我的作品大致屬於具象繪畫，但正因為這些無目的性的抽象素描小塗鴉，沒有預設要完成什麼的前提，反而讓我感受到一種探索的快樂，我也透過這個方法尋找屬於自己的繪畫語言。
藝術家抽象素描（圖片來源/盧冠宏）
藝術家抽象素描（圖片來源/盧冠宏）
媒材方面，我試過壓克力、筆墨紙硯之類的，但因為我本身就是一個步調很慢的人，最終還是偏好油畫那種緩慢而黏稠的特性；至於尺寸的選擇則視複雜度而定。
創作圖像的來源多半來自新聞或報章雜誌，我特別喜歡那些意義不明的圖像，像是「失敗新聞攝影大賞」；研究方法則是蠻old school的拼貼，我會把大量的照片、速寫稿都貼在牆上，一次性地攤開檢視，從看似無關的人事物之間，尋找可能存在的普遍性。
藝術家工作室牆面（圖片來源/盧冠宏）
藝術家工作室牆面（圖片來源/盧冠宏）
Q 請介紹這次的入選作品〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉
〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉2025，碳酸鈣底（水性）、油彩、畫布，116.5×182×5cm（圖片來源/中國信託文教基金會）
我認為在被圖像與媒介資訊高度圍繞的時代，人的經驗近乎扁平且趨同，地方與真相也常淪為過度包裝的疲軟想像。對於自己所身處的這個時代，我有一個很強烈的感受：大家似乎不知道在急什麼，好像因為一切都可以被加速，所以我們必須不斷加速，但其實有些東西根本不需要、也不能那麼快。
〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉創作過程（圖片來源/盧冠宏）
〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉草圖（圖片來源/盧冠宏）
本次投件作品中有座被拉倒的雕像，它有其出處，我並沒有畫得很明確，但應該仍看得出來是某政權被推翻的歷史時刻；雕像尚未觸地，意味著事情還在等待被善後，然而某個慶祝儀式卻已開始彩排，人的感受只能步履蹣跚地緊追其後，主體如鯁在喉，逐漸失語。
透過這樣一個模糊事件所曳引出的「不在場」，我想呈現一個與神靈脫鉤、急著除魅解謎、為事物命名，卻反而因此感到無所適從的當代世界，並試著以幽微的抵抗姿態，呈現這種不協調感。
〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
〈現代啟示錄：書寫、賦權、靈聽、行走的話語〉作品局部（圖片來源/中國信託文教基金會）
Q 如何看待目前的繪畫生態，優勢及困境為何？
老實說，我並不熟悉目前的繪畫生態，也始終覺得自己比較像個「局外人」。我其實不知道現在流行什麼，大概是因為我想要保留心裡的自由自在吧，我也刻意與所有的東西都保持一點適當的距離，這樣反而看得比較清楚。當然我知道有所謂的藝術圈、圈內也存在著各種機制、可見與不可見的邊界；但倘若我讓自己全然投入這個「生態系」中，我大概會變成一個成天都在抱怨體制的人，那樣好像不太健康。對我來說，一位創作者必須清楚意識到，藝術世界並不等於全世界，我也不一定要死咬著藝術家這個身份不放；唯有如此，我才能真正說出自己想說的話，畫出自己想畫的畫。
至於優勢與困境，確實同時存在。現在是流量的時代，被看見很容易，但這個優勢同時也成為新的困境。為了被看見，我就得在社群軟體上發表作品、行銷自己，甚至拍攝創作縮時短影音等等，搞半天坐在電腦前的時間，比坐在畫布前還久，說實話真的蠻累的。
藝術家工作室桌面（圖片來源/盧冠宏）
Q 如何理解繪畫與社會或個人的關係？
如前所述，由於我的創作素材很大一部分取材自新聞影像，我的理解是，從我看到可入畫的圖像、到取材和編輯的過程，本身就是在「建構某種關係」。但是，我也很清楚，不能預設這樣的關係會照我所想像地成立，只有當作品出了工作室，真正面向公眾的時候，你才會知道那是一個什麼樣的關係，這段關係才會顯現出它「實際的樣貌」。
〈風景區〉2020，油彩、畫布，200×145cm（圖片來源/盧冠宏）
〈現代啟示錄：從搖籃到墳墓〉2024，油彩、畫布，162×120cm（圖片來源/盧冠宏）
Q 參加本次徵件的動機？
我是透過社群軟體（如Facebook、Instagram）以及藝術家同儕之間的熱烈討論，得知「中國信託當代繪畫獎」的徵件訊息。除了獎金的吸引力外，透過觀察前兩屆獎項，我發現中國信託文教基金會在教育推廣方面非常用心；對我而言，獲獎後能獲得高度關注，且後續效益長久，是很大的誘因。過去也有投過其他獎項，也有獲得一些小成績，但相較之下，很少有像「中國信託當代繪畫獎」這樣，直接以「當代繪畫」為主題的獎項；也因此，參與競賽的藝術家都是繪畫創作者，有一種真的是在直球對決的刺激感，蠻有競爭性的。
