藝術家顏政豪以〈踏著遙遠的土地而來〉入選第三屆中國信託當代繪畫獎，透過人物、物件、符號與場景隱喻，體現藝術家生活中的覺察，以及幽微的個人情感。物件與想像場景交錯纏繞，多元技法呈現的質地，使作品饒富觀賞趣味。作品邀請觀者介入未完成的路徑，展開一場橫跨現實與想像的視覺旅程。

Q 什麼是「當代繪畫」？

有意識地活在當代，做出來的繪畫就是當代繪畫。

Q 成長及創作經歷？

完全不是科班出身，大學才進入臺灣藝術大學，高中就讀普通班時，因為朋友們都在畫室學習，覺得很好玩就一起上課。進入臺北藝術大學研究所後，也並不是班上最出頭、頂尖的學生，但在不知不覺間，持續創作到了現在，而很多同學已經沒有繼續在創作了。所以，其實繪畫這條路，並不是一開始就有認知，而是在誤打誤撞間，老天給了我這條路走。也許是因為比較晚開始接觸藝術，沒有被科班荼毒，所以對繪畫的熱情感覺延續比較久。過程中，也嘗試過錄像或其他形式的創作，但最後還是覺得自己最擅長、也最喜歡繪畫。

在研究所時期，遇到一位把我批評得一無是處的老師，導致我碩一、碩二時完全沒畫畫，還把顏料等創作媒材都丟掉，並且開始嘗試其他形式的創作。但我覺得，時間會解決很多事情，時間流逝、等時機到來，繪畫總有天會自己回來找你。因為人難免會在意他人的評價，所以在還沒找到自己之前，我決定要聽自己的聲音。後來我就自己持續畫，離開了原本的環境（學校或工作室）。

Q 影響創作的關鍵人事物？

其實並沒有特別的人事物，承接上一題，我比較專注於聽自己的聲音。

藝術家的話，有關注麥克．阿米泰吉（Michael Armitage）、雷尼．馬格利特（René François Ghislain Magritte）的創作，不知道為什麼，最近超現實主義好像變成顯學，這些藝術家讓我覺得，繪畫是一個更可以自由發揮的領域跟媒介。也將他們的表現方式和自己的創作做連結，因為雖然我的創作以具象化的人物、物件及場景為主，但同時也在作品中呈現自由、開放的想像路徑。

Q 創作關注的面向？

大致可以分為三個核心：自我認同、潛意識、愛欲（Eros），主要都是從人的「原始衝動」出發。

我想要「直覺性」地呈現人的本能，不是直白地暴露，而是需要進一步挖掘、或是透過很多不同的方式，去發現的底層情緒或慾望。這是十分吸引我的特質，也是我一直以來的創作核心。

Q 如何形塑自己的視覺語彙？

主要由人、周邊的空間或事物去觸發靈感。作品中的人物形象，跟我喜歡的人物形體相關，以男性為主、展現肌肉線條。在創作時，會從人物出發，再去思考作品會發展出什麼樣的情境、敘事。

作品中的人物形象，一開始大多是源自我收藏的寫真雜誌，由60-70年代攝影師所拍攝，那個時期雖然不像現在這麼開放，但想要突破禁忌的這種「微妙感」，深深吸引著我。在不斷描繪的過程中，自己對於人物、身體的掌握度也提高許多，因此，在創作時就不會像之前那麼依賴寫真照片，儘管作品源自於影像的觸發，但我還是會自由地去改變作品的畫面。

創作約由60%直覺加上40%靈光組成。在工作室面對作品的當下，會「直覺」地先把最想做的事、呈現的畫面展現出來，如果創作卡關，我會出門騎機車兜風。因為工作室鄰近海邊，沒有固定的騎車路線，所以常騎到北投、北海岸，覺得差不多時就會返程，有些「靈感」就在騎車的過程中產生。

北部活火山、海岸等地形，是常出現在我作品背景中的地景。我察覺到自己並沒有那麼喜歡畫熟悉的街景與城市，可以說作品其實就是「由我所建構的場景」，所以畫面中也常出現簾幕、支架等物件，同時也讓觀者可以意識到，這些場景就是由我所打造，以此為基礎，再將平常所見的地形放入其中。

有很多各式各樣的草稿，完成後，再依照展覽主題去篩選。畫布的尺寸跟形狀，則是依照場景去選擇，跟自己關聯性較遠的主題，會選擇比較大的尺寸，小件的作品則是跟自己的原始慾望比較相關。創作時，會規劃同時繪製約兩到三件作品，一旦完成後，就不會再於午夜夢迴時想起，直到展出時才會再看見它們。

Q 請介紹這次入選作品〈踏著遙遠的土地而來〉

✧ 人物、景點與動作

這是我為這片土地的人們所呈現的敘事，凝聚了自己近期在生活中的深刻感悟。

作品中，四個人分別從四個方位而來，同時在一條道路上滾動著一顆球。代表當人們身處不同方向，卻要朝相同的目標前進時，就必須在過程中不斷地調整、晃動跟來回，無法一人孤行。刻意將月球放在離觀眾很近的地方，希望觀眾可以成為一起推球的第五個人。也因為這次選擇了離自身較遙遠的議題，所以也選擇了比較大的尺幅來呈現。

背景的中央山脈是刻意安排的，中間推動的球則是月球。我的很多作品其實都跟月球有關，月亮對地球的引力，會形成漲退潮的潮汐，而我覺得身體的感知也會隨著時間的循環起伏。想將這種難以言說的事和狀態與月亮連結，比起直辣的太陽，這種感性、陰性的符號及意象更常出現在作品中；另外，月亮本身也不是會出現在日常生活中的狀態，比起水球，推一顆月球感覺更有趣。

✧ 技法與質感

其實我的創作就是在「玩色彩」，使用了經典的油畫「罩染」（Glazing）技巧，透過顏色的堆疊，呈現出想要的質地跟色彩。〈踏著遙遠的土地而來〉以「罩染」透過疊加，讓顏色更有厚度，試過壓克力、油彩後，覺得油彩的效果是最好的，我使用調和油的方式會讓畫面帶有「釉感」的亮面。在作品中也可以看到，最薄的底色與上面疊加的亮色，這是我在創作時會特別去琢磨的效果。創作手法則是有加也有減，除了顏色的疊加，也會用衛生紙擦除，做出不同的質感。最後，加上了顆粒感的油畫石作為點綴，使畫面中同時有滴流、平面、半透明、油畫石的質感，玩出比較豐富的材質展現。

無論顏色、畫布形狀、尺幅或是最後呈現的圖像，其實都是帶有一點隨機性的，但是在創作的過程中，顏色會先被選擇。這件是冬天創作的作品，季節會影響創作時的選色，秋冬以藍色系為主，春夏則是橘紅色系。通常畫完作品就會放在倉庫裡，但有些作品可能會畫超級久，這件作品大約花兩個月的時間完成。

Q 創作的TMI

把沾過油彩的畫筆，套在塑膠袋中，再放進冷凍庫裡，這樣油彩就不會乾！很神奇吧！拿出來筆上的油彩還是一樣新鮮！隔天可以繼續用一樣的顏色。這個小知識好像是聽曲德義老師分享的。

Q 如何理解繪畫與社會或個人的關係？

我將繪畫視為一面「打碎的鏡子」，這些碎片從不同角度折射並映照出當代社會的各種面向，如歷史、地景、情慾與日常生活等，而繪畫最終則將這些碎片重新聚合。

繪畫還有一點蠻酷的，它並非一條直奔入海的溪流，一件作品在製作過程中，創作者會感到歡樂、自信心爆棚，同時也可能會在無數個瞬間冒出覺得自己做不到的念頭，但最終我還是會勝過那個覺得做不到的自己，去完成作品。當拿起畫筆畫下第一筆後，就可以繼續畫下去，就像上班族剛上班時會覺得很痛苦，但起頭後也就繼續做下去。

Q 如何看待目前的繪畫生態？認為創作者現在面對的最大挑戰是什麼？

✧ 媒材選擇

油畫媒材在西方人眼中，再怎麼樣都像是東方人在使用西方的媒材；但若是我使用的是水墨媒材，以中國人的角度而論，也不會有他們的三千年文化底蘊。臺灣的創作者就是在這樣的模糊地帶中游移，藝術發展也呈現一個不確定身處何處的狀態。所以老實說，我到現在也不清楚「屬於這片土地的作品」是什麼，也許混血也是我們的特色，而我還是會繼續創作、探索下去。

Q 接下來的創作或展出計畫？

除了在伊日藝術舉辦的「夜色在臉頰上融化」個展（展出時間2026/01/29-03/14）外，目前比較明確會參與的是海外藝術博覽會：雅加達藝術博覽會（Art Jakarta）（與伊日藝術）、首爾藝術博覽會（Kiaf seoul，與Artemin Gallery合作），其餘時間則投入比較大尺幅的作品製作中。個展結束後，需要花點時間統整，再準備更沉澱一些的作品。