從參加第二屆當代繪畫獎，到成為臺灣夢藝文工作坊的藝術導師，翊綺的創作與教學之路，走得誠實而踏實。如今就讀於北京的藝術博士班，她持續在創作、教學與參賽的過程中找到屬於自己的位置。

Q1：第二屆繪畫獎藝術家訪談時，妳提到關注「版與版畫」的關係，現在在北京就讀博士班，這樣的經驗對妳的創作或教學觀察有帶來什麼啟發或轉變嗎?

翊綺：

一開始做版畫時，我常常擔心「不夠版畫」，或步驟不夠正統，會質疑自己創作的純粹性。但到了北京，接觸更多元的創作觀點後，我開始把版畫當成「一支筆」，它是一種媒材，而不只是技法或複數性。我也更願意讓偶然性進入我的作品，而不是一味追求可控的結果。（註：之前在日本讀碩士，比較是按步就班；現在在北京，版畫的創作更加自由多元）

在教學上也有轉變。以前我會強調「版畫該怎麼做」，但現在我反而更期待學生告訴我「他們怎麼看版畫」。我相信這種自由的開放性，才是真正的創作精神。

Q2：臺灣夢藝文工作坊接觸到混齡(小一到國中)的偏鄉小朋友，可以分享從創作、參賽到現在的藝術教育，自己的心情或感受嗎? 從專注創作到參與藝術教育，這樣的角色轉換對你來說有什麼挑戰？又有哪些收穫？

翊綺：

其實參加中國信託當代繪畫獎，對我來說是一個啟發，在展覽中看到很多創作者他們的多元性，例如蔡鎮澤的作品就是直接用布縫的、而蕭珮宜的是用版畫的概念作繪畫，也更激發我想再出去看看。
傳統的地方美展 媒材的分類很細，而當代繪畫獎不分媒材，沒有太多的規定，我也是把自己的問題拋給這個比賽，「我的版畫創作也算是當代繪畫嗎？」

而那時參賽妳們來做訪談的時候，我可能激發了我的創作魂（分享欲？），也沒想到我的分享可以有機會接觸到偏鄉的小朋友。因為我的祖父以前在偏鄉的衛生所服務，可能是從小而濡目染，一直都也希望有機會可以像祖父一樣走偏鄉。

一開始當導師壓力很大，特別是面對混齡的小朋友(從小一到國中)，你無法用一套標準方法套用。但我慢慢發現，他們的回饋非常純粹，有時候只是畫完一張小動物，還會偷偷跑來送給我(例如今天有的小女生 就在下課後偷偷把剪貼的蝴蝶送給我)，那種感動真的會留很久。

偏鄉的小朋友和城市孩子很不同，他們的想像力沒有被「訓練」得太框架，畫面常常天馬行空。他們畫的更多來自自然、生活，而不是卡通或動畫。我覺得這反而讓我重新思考創作的本質：什麼是原始的視覺語言？什麼是我們忘記的直覺？

Q3：比賽結束之後，有沒有什麼改變你沒預期到？（例如創作方向、職涯機會或是被看見的機會） 是否有開啟什麼新的創作方向或合作機會？例如 參加臺灣夢藝文工作坊的教學

翊綺：

最大的收穫是發現了自己也可以是教育者，而且是帶得動的那種（笑）。我一開始只是單純參賽，但後來因為比賽時的一些分享與作品交流，有機會被中信邀請加入偏鄉教學。這是一條我原本沒預料會走的路，但現在卻變成我很珍惜的一部分。也讓我發現創作不只是展覽或得獎，它可以透過教學轉化為新的能量和感動。

Q4：現在第三屆當代繪畫獎正在徵件，如果讓你對報名者說一句話，你會想說什麼？

翊綺：

「不要自我設限。」
我當初也猶豫過自己做的到底算不算繪畫，尤其是我的作品技法混合，我也會懷疑自己有沒有資格投件。如果你覺得對自己創作有疑惑、或是想挑戰當代繪畫是什麼，真的很鼓勵大家可以投件。
 

前兩屆繪畫獎選出來的作品很不一樣，所以朋友圈覺得這個獎項，相對看起來不是那麼地偏向市場面，覺得好像還有很多的可能性，還有很多東西沒有被定義，是一個很新的比賽。其實比賽本身沒有限制你必須是什麼樣子，參賽者們可以用這次機會拋出一個問題。

Q5：你怎麼看待「參賽」這件事？它對藝術家來說是機會、挑戰，還是某種成長過程？

翊綺：

創作、參賽、教育 這三件事情對我來說一直是「同」，相輔相成的: 例如當創作的時候遇到瓶頸，在教學的時候遇到小朋友，小朋友的天馬行空，讓我回到我創作的「初心」。
對我來說，參賽是一種「誠實地照鏡子」的過程。以前我畫很多是為了交作業、為了參加比賽、為了達到某個標準，好像會忘記自己是誰。我曾經很想找到屬於「自己的風格」，曾經有個前輩跟我說了五個字，至今我印象深刻：「對自己誠實。」這句話讓我大哭，也改變了我看創作的方式。我現在會問自己：這作品是我真正想做的嗎？我是不是為了誰而畫？但後來我學到，創作其實應該是誠實地面對自己。
所以參賽不是結果，而是一次檢視的機會。不是為了得獎，而是為了看看自己現在的狀態是什麼。即使沒有得獎，只要你誠實地交出那件作品，它就已經是一個成長的里程碑。如果你也在創作的路上懷疑自己，或想要找一個可以真誠展現自己的平台，第三屆徵件已開放——或許正是時候，讓你把你的問題拋給比賽、拋給世界，看看它怎麼回應你。