藝術家溫佳寧以〈我們的相似之處多於差異〉入選第三屆中國信託當代繪畫獎，透過重塑人體形象，對媒體形塑的性別標準提出疑問與挑戰。將當代群眾的感知與視覺經驗，交織成獨特的視覺文本，並以詼諧幽默的姿態，開啟與觀者對性別議題的雙向對話。

Q 什麼是「當代繪畫」？

可以讓人反思「當代景觀」。所謂的當代景觀，意旨當代群眾獨特的感知方式、視覺經驗，相互融合後就構成了當代繪畫。

也許在未來五十年後再回來審視，現在被視為「當代」的繪畫，可能又會被歸類成其他的狀態。但此刻的我，會覺得當代繪畫就是在回應當代、當下的狀態，這是我綜合自己觀看經驗所得出的結論。

繪畫比起其他媒材，更不需要去為自己的時間性辯護，它把一個當下、狀態留存下來的特質，深深吸引著我。

Q 成長與創作經歷？

國小有考上美術班，但沒去念，國中就讀美術班，高中是新竹女中美術班，大學跟研究所則都是臺北藝術大學美術系。比起口語、文字，覺得繪畫更能夠傳達想法，讓人重視我想說的話，對我而言，繪畫是個「語言」。

但是，在大學藝術學院學習的過程中，曾經一度熱衷於繪畫、也曾經極度厭惡繪畫。到了今年，我覺得自己對於繪畫的理解成長許多，跟以前完全不同。2022年「善的意識會狩獵」個展後，開始認知到要對自己負責，認真看待自己的作品、事業生涯。大學時期的我，會用像是在社區上手工藝課程媽媽的心情在創作，現在覺得不行，不能再停滯不前，因為除了自己之外，沒有人能夠更認真看待自己的作品。

碩士畢業後，更加確定自己想成為一位藝術家。有聽過一個問題：「要成為通才？還是專才？」我不認為一定要全職創作，喜歡自己現在是多元發展的角色。認真地去做每件事、維持最好的狀態，錨定自己在創作中的狀態後，在藝術家的角色上，也有了比較清楚的定位。從2022年嘗試非繪畫創作，到現在2026年，慢慢找到屬於自己的繪畫語彙。

Q 影響創作的關鍵的人事物？

智利裔法國籍的邪典電影導演亞歷山卓·尤多羅夫斯基（Alejandro Jodorowsky） 2013的電影作品《童年幻舞》（The Dance of Reality）帶給我蠻深的影響，這部電影用詩性的敘事跟舞台感，去講述一位從小就想成為詩人的主角故事。敘述他在成長的過程中，家人、旁人是如何看待他，而在這些視線下，主角又是如何堅持創作。主角在小時候就曾跟父親說他想成為詩人，結果被賞了巴掌，但之後他仍然堅持創作並加入藝術聚落，最終與父親達成和解。和解的場景中，主角親吻父親，將他送上一艘即將遠航的船後，與他道別。整部電影中，母親這個角色都是以歌劇詠嘆調的方式演出對話。《童年幻舞》是部帶有導演自傳性質的作品，全片呈現奇幻、關懷的氛圍，並透過劇情不斷地叩問、反思創作這件事。

另外，赴德國交換的時候曾學習VR（虛擬實境，Virtual Reality），課堂中老師請同學製作一個劇場模型，將VR視為一個呈現劇場的媒介。當時我覺得，製作劇場這件事實在多餘，既然是VR，為何不用畫面呈現就好？但之後也意識到，這個將概念凝結成一個畫面的反思，對我而言也是十分重要的瞬間。

藝術家的部分，我很喜歡美國素人畫家亨利·達格（Henry Darger），對他的世界觀跟敘事感到好奇，作品充滿禁忌這一點十分吸引我。曲德義老師曾經這樣評論過我的作品：想耍壞，但是不夠壞。因此，我常在思考要怎麼呈現這個「壞」，直到這一兩年才變得更加清晰，這個轉變，源自於之前個展中得到的各方評論，其中包含了完全不認識我的人所給出的觀點，這些反饋都啟發了我創作的進一步探索。

Q 創作的主題為何，想探討甚麼內容、觀念或議題？

一直都在關注媒體如何「形塑性別」，背後所衍生的問題其實是：為何媒體有權利解釋圖像？另外，也對大眾媒體建構的標準產生懷疑，所謂正常、不正常的定義，以及觀看的標準究竟為何？因此，我的創作關注在，如何用性別模糊或跨性別的角色，透過角色身體的變形、酷兒美學來探討這個議題。最一開始的創作，是想用影像去詮釋影像，繪畫也是類似的發展過程，透過繪畫轉化看到的平面與動態影像，藉此去形塑創作的視覺語彙。

✧ 早期創作

2016年總統大選時，看到一則新聞，有一位記者幫蔡英文前總統做了一系列穿搭建議（T-shirt、西裝外套、長褲），宣稱這樣穿會比例更好、更迷人、更容易讓人產生好感。讓我反思，為什麼大眾對男性候選人寬大到不合比例的西裝如此寬容？對女性候選人卻能輕易虛構敘事、加以評論？從這個角度切入，當時還做了一本雜誌，也製圖讓政治人物穿上我自己製作的衣服。

✧ 創作轉變

2019到2020年，停止了用先前的思考邏輯、方式來進行繪畫創作，漸漸變得更加冷靜。我覺得，繪畫非可以即時被回應、討論的，因此亟欲尋求跟人溝通交流的創作方式。開始製作影像、小書，因為我仍然需要透過創作來與人溝通。其實嘗試過很多不同的創作媒材，但覺得繪畫是需要極大勇氣才可以做的創作模式，後來就申請了2022年的「善的意識會狩獵」個展，展覽集結了自己的思考創作碎片，並透過繪畫來加以實踐。

Q 如何形塑自己的視覺語彙？創作過程為何？

✧ 尺寸

前陣子看了一部影片，內容是教大家如何規劃畫布尺寸，在作品尺寸的大數據中：40-50%小型作品、40-50%中型作品、10％大型作品，這是以販售市場的考量來說，非常實際的參考。我很多創作的靈感源自雜誌、影像，因此相應以小尺幅為主。最近也一直在思考尺寸這件事，大小作品各有魅力，比較複雜、兩個人以上的構圖，我就會選擇較大的尺幅，之後也想嘗試畫很多人的作品。

✧ 創作過程

會做草稿、速寫，也有素描形式的隨筆（使用墨汁，因為方便取得而且極度便宜），再去測試顏色跟顏料，執行前會再畫草稿作為基底。後來作品多以黑白色為主的原因，是因為當時即將畢業，工作室搬遷所以縮減材料，顏色也從多彩變成單色。2025年在參加天美藝術基金會的當代藝術家海外參訪計畫後，認識很多不同的創作者，開始嘗試油畫創作；但發現目前使用的媒材，會讓畫面會帶有黃色的基調，想要對此進行調整，因此開始認真地研究材質。最近再進一步測試材質，選擇不同色調的黑。

✧ 儲存圖像

平常會把看到的圖像按右鍵儲存下來，在想要畫畫的時候再速寫。會選擇儲存圖像，是因為覺得影像印出來就失去了原有的質地，不再是在光滑的介面上，所以更傾向存在手機或電腦裡面。而且我有潔癖，在作品完成後，會刪除這些圖像。我創作的重點不是複製影像，而是「忘記影像」，才能再透過自己的創作去創造新的圖像。選擇圖像後，再進一步去研究、測試，決定畫面要呈現什麼質感、怎麼去落實這些想法。

我認為單純的複製，沒辦法讓這些性別意象逃脫商品化的箝制，所以才會選擇暫停，讓圖像與文字在腦海中隨著記憶重組、剪貼及拼湊，化作下次創作的素材。

Q 創作的靈感來源？

喜歡從獨立的小書店尋找靈感，覺得自己更容易在街頭、地下的塗鴉，或是獨立書店中產生啟發性的思考。

印象中，最初是源自於閱讀成人漫畫的視覺經驗，書中女性裸露的上半身帶給讀者很大的視覺衝擊，令我進一步去思考，如果去除了乳房這樣顯著的性徵符號，女性身體還會剩下什麼？另外，媒體所建立的性別形象跟標準，也讓我深感疑惑，因此透過繪畫去找尋不同的敘事。

Q 請介紹入選作品〈我們的相似之處多於差異〉

這件作品的圖像靈感來自網路上的謎因（memes），是一部路人隨機調戲警察的短影片，其中路人問了警察一句話「Am I a good girl, police officer?」。在正式開始畫前，還先用輕黏土做了小模型，也畫了人站立姿態的素描，這些創作中的嘗試，對我來說，是自我對話的遊戲、也是實驗。

✧ 中間作品（大尺寸、近距離）-酷兒享樂

畫中兩位女性呈現糾結的狀態，動作、辮子都相互交纏，簡單來說是「酷兒享樂」，而這就是我想呈現的畫面。在以前研究圖像的過程中，發現在古典繪畫裡，其實有著很多女性親密動作的畫面；然而，這樣的畫面卻被史學家定義為「女性閨蜜的午後」。我覺得這個狀態非常可惜，她們明明就是伴侶，卻被硬是曲解成為朋友，所以想要對這樣的「刻意誤解」直球對決，這也是為什麼畫中的人物，會是以挑釁、調戲的表情面對觀眾的原因。

✧ 右側作品（中尺寸、中距離）-社會對女性的期待

兩位蒙面男子脅持中間美麗時髦的裸體女性，女性露出困擾的表情。圖像靈感源自兩位男性搶劫一個拿著名牌包包女性的時尚照，照片中女性的樣貌與姿態，同時帶有矯情、戲謔、時髦又漂亮。讓我反思，一位女性到底同時需要handle幾個角色，這個狀況，讓我感到荒謬又暴力。

✧ 左側作品（小尺寸、遠距離）-群眾匿名的混雜畫面

在一場匿名的舞會中群舞的人們，眾人面目模糊、沒有表情也無法對焦，雖然人很多，但呈現安靜的畫面感。群眾中的個人，在匿名後呈現消失的狀態，我想像人群是如何以疊影的方式出現在社交場合中。中間的人是全裸的狀態，因為覺得全裸更貼近心靈，也讓觀者投射「我」第一人稱的狀態。前陣子讀到一個觀點，小說常常是使用第一人稱的男性視角，所以其中隱含的企圖，就是希望大家可以跳脫這樣的敘事。

Q 如何看待目前的繪畫生態？創作者有何優勢或困境？

我認為臺灣的繪畫生態跟所謂的主流藝術世界並不完全同步，這是一個限制，同時也可以產生彈性的空間。創作者最大的挑戰，就是在制度跟自己的節奏間找到位置，跟適合的創作節奏；創作者的定位實在很廣，我常覺得創作就是在「面對自我」，所以最大的挑戰就是自己要找到屬於自己的路或策略。

優勢跟困境則要以去結構性的方式思考，臺灣跟主流藝術的關係，並且要去思考該往何方靠攏，並且如何前往。以前我不想和商業妥協，覺得創作就是對自己負責，但現在因為有了更多經驗，用更開闊的角度去審視。覺得自己每一年都有在慢慢的前進，之前會覺得在空間辦個個展就很不錯，是商業空間、也沒有跟市場脫節，但現在也會再進行更多思考，畫廊、美術館等空間都是我現在想進行的目標。