以〈My Bouquet〉入選第三屆中國信託當代繪畫獎的周楷倫，在當代視覺影像與繪畫間進行討論及思索，近期作品多以描繪風景與植物為主。周楷倫透過繪畫，不斷反思、詰問、探索作品的主題性，並如藝術家羅丹所說的「像工人一樣努力工作」，持續在繪畫的道路上前行。

Q 什麼是「當代繪畫」？

當代繪畫的定義對我而言不太重要，我認為生活在當代，所創作的作品就是當代繪畫，因為每個當下都會有專屬於那時刻的特殊性。對我來說，所有東西都是繪畫，攝影也是一種繪畫方式，在創作過程中，無論是攝影、繪畫，或任何跟視覺組構有關的東西，都是一種繪畫形式，我只是在最終展出時選擇了傳統平面繪畫的形式。

比起定義本身，我更在意當代繪畫如何「觸動人」。以前在進行文字解釋時，發現觀者在閱讀文字之外，實際觀看作品時可能還是沒感覺。我覺得這就是我2018年後開始堅持繪畫的原因，繪畫可以讓人慢下來，外在條件也會改變觀看的感覺，一張圖在不同的光線、介面下觀賞的感受也不同；所以我認為這就是文字論述無法完全詮釋作品的原因，因為觀賞者自己也會有不同的想法，這些差異性可能來自於每個人的背景、當下的情緒等等。

Q 創作如何取材與選題？

創作的靈感大多源自於「生活」，會寫很多、畫很多隨筆，也有速寫本、筆記，紀錄一些有點確定的東西。寫字的習慣是從就讀碩士班就開始的，會把圖像邏輯跟文字再整理成冊。但又希望在創作的當下忘記自己講過什麼話，所以在畫隨筆的時候都沒有想很多，有時候只是為了記錄一下靈感的來源。

早期畫了很多人，2023年後才開始畫沒有人的空景。一開始畫人是因為在學院的那段時間，大家都要去解釋為什麼要畫、在畫什麼，我一直對「人」都很有感覺，再加上想要逃脫論述的文字及狀態，希望作品可以超出我說的話跟論述，所以拍了很多照片、畫了很多圖，那些影像就像是在「探索主體性」；同時也在思考，如果素材都是源自於我，那作品真的會比較有原創性嗎？還是從網路中找尋靈感其實也是一樣的。

Q 創作的過程為何？如何形塑自己的視覺語彙？

簡單來說，我的創作流程是：拍照à草圖à繪製。因為照片的數量很龐大、高達上萬，所以其中很大一部分的工作是在進行「影像的篩選」。覺得自己的創作在某種程度上帶有「反主題」的傾向，以前讀過羅丹《藝術論》的中譯版，其中提到：「不要依靠靈感，像工人一樣努力工作，真誠地面對自己的主題。」雖然指導教授說原版中並沒有這樣一段文字，但這段話對小時候的我產生了很大的影響。羅丹的創作內容也常常是與他真實生活有關的，眼前的大自然、人物情緒等等，而我生活與創作間的緊密關係也深受他影響。

紙本寫生的部分，我在哪裡都可以畫，近年的油畫則是在安靜的空間將畫面繪製出來。通常會先拍攝黑白照片，以此為畫面基礎，再將影像轉化為繪畫。這樣的創作軌跡，其實是因為想歸零圖像及自己的主觀意識，再透過不斷地畫的過程，讓意義及可能性自然生長。

上述提到的轉變，始於2018年的個展，當時我刻意去除色彩與繪畫習慣，不斷捨棄原本的表現方式，最終呈現出六件黑白作品。在那之後，我慢慢理解自己在畫什麼，也更加釐清自己的圖像，才又重新把色彩一點一點地加回畫面中。到2023年的個展，作品中的色彩已經逐漸豐富。

從2017年的黑白創作方式至今，我試圖先削弱自己在作品中的主觀及主體性，比如從黑白照片開始，暫時放下既有的繪畫慣性。雖然一開始刻意抽離，但在創作的過程中，主體性其實仍會漸漸地浮現、生成，比如後續疊加色彩時，便是依據當下的感受，以及日常觀察經驗集合而成的。

Q 請介紹這次的入選作品〈My Bouquet〉

因為最近剛結婚，所以把作品取名為〈My Bouquet〉我的捧花，這個「我」其實並沒有特別指定的主體，是接在是〈輕輕又重重的，那些拯救我的、、、〉這幅作品後畫的。

我通常會同時創作好幾幅作品，影像處理也是，有時候寫一句話跟留下影像的意思對我來說有點類似，就像先前提到我有很多筆記跟成冊的速寫，也有很多整理過的資料本（裡面有照片、文字）；如何成冊是看產出的時間加上隨機排列，按照時間分類會比較清楚跟準確。之前在座談有聊到，我覺得自己的作品有一些矛盾關係，「既想要降低作品的主體性，但同時又在擴散主體性」。

最近在創作更大的作品，是拼了三幅畫布的作品，中信當代繪畫獎的入選作品，其實是分散在工作室的不同牆面繪製的，創作過程也是：黑白照片→草圖→上牆繪製。

Q 影響創作歷程的關鍵人物或事件？

日本攝影師森山大道影響我很深，他在作品中不斷使用重複的圖像，透過改變作品尺幅、媒材，一直在持續曝光自己的作品。我最後沒有選擇影像/攝影作為主要創作媒介的原因，一部分是因為希望能和自己喜歡的創作者保留一點距離，加上攝影現在很氾濫、也沒有繪畫那麼安靜；攝影更大程度上會停在個人審美或第一眼的感覺，繪畫則可以更複雜地包含更多東西，所以我更在意的是攝影的「骨頭」（構圖、輪廓、形象等）。我畫的所有東西都會留下輪廓，只是透過顏色跟筆觸還有尺寸，來改變閱讀狀態。

作品中的顏色則是花時間疊進去的，每畫一筆都會在畫作旁邊的紙點下色彩，我發現很多人都這樣做過，包含中國藝術家劉小東等等。有一陣子創作低潮，在玩模型時常使用到噴槍，發現噴完一次後就要清洗一次，這影響到我後來每次創作時，在調完、試完色後，會去思考要把顏色放到什麼地方。我有把這些試色的紙張與軌跡都留下來，也許有一天可以展出它，但還沒有想好要怎麼展示。

高中就讀北投復興高中美術班，大學、研究所都是臺灣藝術大學。一直都想要用繪畫作為主要的創作媒材，但在2017年第一次個展前，有遭遇過信心危機。首次個展是在一個由視傳系張國治老師擔任策展、合作的空間，那個空間有一面牆會一直換不同展出作品，而我在那面牆以圖像的方式詮釋了自己當時的一生。在創作的過程中，會被一直被問受誰影響、你在畫什麼？但就像先前提到的，我試著用「畫作本身」而不是文字去回答這些問題。我一直都相信藝術沒辦法被解釋，如果沒有辦法帶給你感覺，那就是失敗了，那我就再畫下一張。

我的靈感主要是來自於電影、漫畫，電影像是美國導演-昆汀·塔倫提諾說過：「如果真正熱愛電影，你就會無可自拔地拍出好作品」，和冨樫義博《獵人》中「念能力」的概念，每個人都要開發出屬於自己的能力，這些都跟我的創作脈絡、過程有關，我覺得創作是直覺性的，需要有感覺，也帶給觀者感覺，而創作的過程，就像是去理解自己的念能力一樣。

前陣子去了一趟歐洲行，我也還在消化這趟旅程，那時覺得歐洲的展覽比較貼近真實生活，但我也還在思考要怎麼在臺灣去做這件事情，以及思考如果之後真的要投臺北獎或之後展覽要怎麼做？如何佈展？作品如何選擇？蠻想再做一批以〈我學習藝術生活跟繪畫的方式（The Way I Learned About Art, Life, and Painting）〉為題的作品。